Reviews

SANGUINE GLACIALIS aus Montreal enthüllt mit "Maladaptive Daydreaming" ein fesselndes Werk. Ein Tauchgang in mentale Welten erwartet dich.

Evan Wares "The Quietest of Whispers" ist eine ergreifende musikalische Reise, die das Überleben von Kindesmissbrauch thematisiert. Die Symphonien spiegeln mit ihrer Klangvielfalt und Intensität die emotionale Achterbahn der Überlebenden wider. 

In der ersten Symphonie erreicht Ware durch instrumentale Klangbilder und bewegende Motive eine unmittelbare Verbindung zu den zerbrochenen Narrativen der Betroffenen. Die Komposition zeigt eindringlich den Weg der Heilung auf, während sie die Turbulenzen und Fragmentierung der Erfahrungen einfängt.

Symphonie Nr. 2 führt einen Hauch von Introspektion ein, indem sie eine Sopranstimme mit einbezieht, um Texte der Dichterin Jane Hirshfield zu interpretieren. Diese Ergänzung verleiht der Musik eine tiefere emotionale Dimension und verwebt die persönliche Geschichte mit universellen Themen des Überlebens und Selbstliebe.

Evan Ware schafft es, die Dunkelheit der Überlebenskämpfe in musikalische Schönheit zu verwandeln. Seine Kompositionen sind eine Ode an die Stärke und Widerstandsfähigkeit der Überlebenden. Das Werk führt uns durch dunkle Täler, doch am Ende triumphieren Hoffnung und Heilung.

"The Quietest of Whispers" ist eine kraftvolle und berührende Hommage an jene, die ihre Traumata überwunden haben. Evan Wares Musik erinnert daran, dass aus den leisesten Flüstern der Stärke die lautesten Stimmen der Heilung werden können.

Ein düsteres Kapitel öffnet sich mit Temple of Katharsis' neuem Album "Macabre Ritual". Die griechische Black Metal Formation entfesselt eine unheilige Reise durch Satanismus, Dunkelheit und Krieg. Tauchen Sie ein in eine Welt, in der die Grenzen zwischen Realität und Ritual verschwimmen.

A LIGHT WITHIN haben mit "Terraform" wirklich einen Volltreffer gelandet. Die Jungs aus Kansas City haben einen Song geschaffen, der sich durch seine einzigartige Mischung aus progressiven Elementen und verzerrtem Sound auszeichnet. Man könnte fast sagen, es ist eine Art "Kontrapunkt des Metals".

Die Musik ist eine fesselnde Reise durch gegensätzliche Stimmungen, die uns mal sanft in Melodien wiegen und dann wieder mit kraftvollem Schlagzeug und dröhnenden Gitarren umhauen. Die Stimme von Kyle Brandt ist dabei wie das Herzstück, das uns durch das Labyrinth der musikalischen Landschaft führt.

Was den Song wirklich von anderen abhebt, sind die ehrlichen und unverblümten Texte. Normalerweise ist Kyle eher metaphorisch in seinen Texten, aber hier hat er einen direkten Schlag gelandet. Die Botschaft, dass wir alle unsere eigenen Süchte haben und es nie zu spät ist, unser Leben in etwas Besseres zu verwandeln, ist kraftvoll und inspirierend.

Ein wenig Humor kann man bei A LIGHT WITHIN auch entdecken. Es ist, als ob sie sagen würden: "Hey, wir können tiefsinnig sein, aber wir nehmen uns selbst nicht zu ernst." Und das ist erfrischend.

Das einzige, was mir ein wenig fehlt, ist die Vielfalt in der Songstruktur. Obwohl der Song in seinen Emotionen auf und ab geht, hätte ich mir gewünscht, dass sie noch etwas mutiger in ihren Arrangements wären.

Insgesamt ist "Terraform" jedoch ein beeindruckendes Stück Musik, das Lust auf mehr macht. Ich freue mich schon darauf, wie A LIGHT WITHIN ihre kreative Reise in einem bald erscheinenden Album fortsetzen werden. Ein definitiver Geheimtipp für alle, die nach etwas Neuem und Aufregendem suchen.

Mit ihrem selbstbetitelten Album "Plainride" präsentiert die deutsche Band Plainride ein anarchisches und kraftvolles Werk, das sich sowohl musikalisch als auch textlich von den üblichen Konventionen des Rockgenres abhebt. Die Gruppe, die 2013 in Köln gegründet wurde, hat sich in der Heavy-Rock-Untergrundszene einen Namen gemacht und sich dabei bewusst von den gängigen Retro-Stoner- und modernen Hardrock-Klängen abgegrenzt.

Schon mit ihrem Debütalbum "Return Of The Jackalope" aus dem Jahr 2015 erregten Plainride Aufmerksamkeit und wurden von der Kritik gefeiert. Ihr Zweitwerk "Life On Ares" (2018) brachte ihnen Auftritte beim renommierten Wacken Open Air Festival sowie Supportshows für Bands wie Fu Manchu ein. Nun, nachdem die Band während der COVID-19-Pandemie mit Rückschlägen zu kämpfen hatte, kehren sie mit "Plainride" zurück und präsentieren sich größer und abenteuerlustiger als je zuvor.

Das Album beginnt mit "Fire In The Sky", einem energetischen Opener, der direkt die rockige Energie der Band einfängt. Von da an entwickelt sich die Reise durch zehn Songs, die mit eingängigen Riffs und mitreißenden Refrains gespickt sind. Die Songs von Plainride sind dabei keine oberflächlichen Rockhymnen, sondern tragen eine tiefere Bedeutung. Sänger Max Rebel zeigt sich als kritischer Beobachter der Gesellschaft und der Machtstrukturen. Die Texte behandeln Themen wie soziale Ungerechtigkeit, Mythologie und die Auswirkungen des Neoliberalismus. Durch geschickte Verwendung von Anspielungen, Zitaten und Referenzen aus verschiedenen Bereichen der Kulturgeschichte schaffen Plainride eine lyrische Tiefe, die es lohnt, genauer zu erkunden.

Die musikalische Vielfalt auf "Plainride" ist beeindruckend. Die Band experimentiertmit verschiedenen Instrumenten wie Violine, Orgel, Mundharmonika, Klavier und Percussion, die den Songs eine zusätzliche Ebene der Vielschichtigkeit verleihen. Dabei gelingt es Plainride, die Elemente geschickt in ihre rockige Klanglandschaft einzubetten, ohne dabei den rohen und kraftvollen Sound zu vernachlässigen. Die Gitarrenarbeit von Max Rebel und Bob Vogston ist dynamisch und facettenreich, während Florian Schlenker am Schlagzeug für den treibenden Rhythmus sorgt. Die Band zeigt sich spielerisch und experimentierfreudig, was dem Album einen frischen und lebendigen Charakter verleiht.

Die Produktion von "Plainride" ist ebenfalls hervorzuheben. Das Album wurde von Gitarrist Bob Vogston in den Lipaka Studios aufgenommen, gemischt und gemastert. Die Klangqualität ist exzellent und verleiht den Songs die nötige Durchschlagskraft. Darüber hinaus sind auf dem Album verschiedene Gastmusiker zu hören, die den Songs zusätzliche Farben und Nuancen verleihen.

Insgesamt ist "Plainride" ein beeindruckendes und kraftvolles Album, das die Vielseitigkeit und Originalität von Plainride unterstreicht. Die Band hat es geschafft, einen eigenen Sound zu entwickeln und dabei mit kritischen Texten und einer breiten musikalischen Palette punktet. "Plainride" ist ein Album, das man sich nicht entgehen lassen sollte, vor allem für Fans von energiegeladenem Heavy Rock mit lyrischer Tiefe.

Mit "The Far Outs" präsentiert das australische Garage-Rock-Duo THE FAR OUTS ein beeindruckendes Debütalbum, das die Energie und den Geist des 60er-Jahre-Garage-Rocks einfängt. Die beiden Musiker Phil Usher und Jonny Pickvance, bekannt aus Bands wie Grand Atlantic, Blonde On Blonde und Fingerless, liefern hier eine Sammlung von zehn Tracks, die voller Energie, Leidenschaft und roher Rock'n'Roll-Power stecken.

Das Album startet mit "Last Night", einem kraftvollen Opener, der mit treibenden Gitarrenriffs und einer mitreißenden Melodie sofort ins Ohr geht. Von Anfang an ist klar, dass THE FAR OUTS keine Kompromisse eingehen und den Hörer mit ihrer energiegeladenen Musik mitreißen wollen.

"Bad News For You" setzt den energetischen Ton fort und präsentiert sich mit einem unwiderstehlichen Rhythmus und einem mitreißenden Refrain. Die beiden Musiker verstehen es, die klassischen Elemente des Garage-Rocks mit ihrer eigenen Note zu versehen und so einen frischen und zeitgemäßen Sound zu schaffen.

Mit Songs wie "Hey Little Girl" und "Get Off My Shroud" beweisen THE FAR OUTS ihre Fähigkeit, eingängige Melodien mit krachenden Gitarrenriffs zu vereinen. Jeder Track auf dem Album ist ein kompromissloser Garant für gute Laune und lässt keinen Raum für Langeweile.

Besonders hervorzuheben ist die beeindruckende musikalische Chemie zwischen Phil Usher und Jonny Pickvance. Usher übernimmt die Gitarre und den Gesang mit großer Hingabe und liefert leidenschaftliche Vocals, während Pickvance am Schlagzeug mit unglaublicher Präzision und Energie spielt. Die beiden ergänzen sich perfekt und schaffen eine kraftvolle und mitreißende Atmosphäre.

Das Album zeigt auch die Vielseitigkeit von THE FAR OUTS. Songs wie "Miss Me" und "El Diablo Del Mar" zeigen eine etwas düstere und psychedelische Seite des Duos, während Tracks wie "Freight Train" und "Some Kind Of Treason" das Tempo anziehen und einen energiegeladenen Rocksound bieten.

"The Far Outs" ist ein Album, das wie gemacht ist für laute Partys und rebellische Nächte. Die Produktion ist bewusst roh und ungeschliffen gehalten, um die Energie und Intensität der Live-Auftritte von THE FAR OUTS einzufangen. Es ist offensichtlich, dass die Band ihre Musik liebt und sie mit einer ungezügelten Leidenschaft spielt.

Insgesamt ist "The Far Outs" ein beeindruckendes Debütalbum, das die Wurzeln des Garage-Rocks ehrt und gleichzeitig einen frischen und zeitgemäßen Sound bietet. Mit ihren eingängigen Melodien, treibenden Riffs und energetischen Drumbeats schaffen es THE FAR OUTS, den Geist des Rock'n'Rolls einzufangen und ihn mit einer modernen Note zu versehen. Dieses Album ist der perfekte Soundtrack für den Sommer, für laute Partys und für alle, die guten, unverfälschten Rock lieben. THE FAR OUTS sind definitiv eine Band, die man im Auge behalten sollte.

Die italienische Brutal Death Metal Band PUTRIDITY ist mit ihrer neuen EP "Greedy Gory Gluttony" zurück und liefert erneut ein brutales und intensives Hörerlebnis. Veröffentlicht über Willowtip Records, bietet die EP eine Mischung aus überarbeitetem Material aus vergangenen Jahren sowie zwei neuen Songs, die einen Einblick in das kommende Album "Morbid Ataraxia" geben.

Die EP beginnt mit "Adipocere Retribution", einem wütenden und chaotischen Stück, das den Hörer sofort in eine düstere und brutale Atmosphäre eintaucht. Die Gitarrenarbeit von Andrea PutridCiccio und Manuel Lucchini ist technisch beeindruckend und liefert rasende Riffs und mörderische Soli. Die Basslinien von Giancarlo Mendo sind tief und wuchtig, während Cedric Malebolgia an den Drums eine beeindruckende Geschwindigkeit und Präzision zeigt.

"Sodomize Epileptic Chunks" ist ein weiterer Höhepunkt der EP mit seinen schnellen und aggressiven Rhythmen. Der Gesang von Andrea Piro ist extrem und brutal, ergänzt durch gelegentliche gutturale Backing Vocals. Die Produktion der EP ist roh und ungeschliffen, was perfekt zur musikalischen Stimmung passt und den Sound der Band verstärkt.

Als Bonus enthält die EP eine Coverversion von Cannibal Corpse's "Ecstasy in Decay". PUTRIDITY machen den Song zu ihrem eigenen und verleihen ihm ihre charakteristische Brutalität und Aggressivität. Es ist eine gelungene Interpretation, die den Respekt der Band für ihre musikalischen Wurzeln zeigt.

Insgesamt ist "Greedy Gory Gluttony" eine beeindruckende EP, die Fans von brutalem Death Metal begeistern wird. PUTRIDITY beweisen erneut ihr Talent für technisch anspruchsvolle und brutale Musik, die keinen Fan unberührt lässt. Mit dieser EP und den beiden neuen Songs zeigt die Band eine vielversprechende Entwicklung und lässt die Vorfreude ihrer Anhänger auf das kommende Album "Morbid Ataraxia" steigen.

Mit ihrem neuen Album "Nest of Veins" hat die Band JAODAE etwas geschaffen, das sowohl originell als auch unerwartet ist. Progressive, Heavy und instrumental sind Begriffe, die ein Bild, einen Klang und eine Band heraufbeschwören. Doch bereits beim ersten Hören des Albums lösen sich diese Worte auf und machen Platz für etwas völlig Eigenständiges.

JAODAE hat sich von unzähligen Einflüssen inspirieren lassen und den Klang ihres vielfältigen Debütalbums "Cast in Ash" auseinandergenommen, sortiert und zu einem zusammenhängenden Geflecht aus Polyrhythmen, Melodien und vor allem Riffs neu zusammengesetzt. Das Ergebnis ist das expansive neue Opus der Band, das am 7. Juli über Black Throne Productions veröffentlicht wird.

Drummer Spencer Robson erklärt: "Es geht mehr um Gefühl oder Fluss als um ein bestimmtes Subgenre. Dies entsteht nur durch eine herausragende kreative Partnerschaft. Obwohl wir nicht viele musikalische Vorlieben teilen, haben wir großen Respekt voreinander. Dadurch stellen wir uns in einer offenen, kreativen Umgebung gegenseitig Herausforderungen. Es ist quasi das beste Szenario, um Musik zu schreiben, denn wenn wir im Einklang sind, ahmen wir keine anderen Bands nach. Was herauskommt, kommt einfach heraus."

Als instrumentale Band ist es für JAODAE besonders wichtig, Musik zu schaffen, die sowohl beim Spielen als auch beim Zuhören aufregend ist. Gitarrist und Produzent Roberto Ercoli erklärt: "Ich bin der Überzeugung, dass dieses Album alle Kriterien erfüllt. Ohne einen Sänger ist die große Herausforderung, Melodien und Strukturen zu schreiben, die den Hörer genauso ansprechen wie ein Sänger es tun würde. Wir haben akribisch daran gearbeitet, eine Klanglandschaft zu erschaffen, die den Hörer sofort fesselt und dazu bringt, immer wieder zurückzukommen."

"Nest of Veins" ist weniger ein einfaches Album, sondern vielmehr eine musikalische Odyssee. Vom verworrenen Opener "Lobotomite" über den überraschenden Titeltrack bis hin zum packenden Abschluss "Tree of Ténéré" entfaltet sich das Album in einer Vielzahl von Wendungen und Emotionen.

Gegründet im Jahr 2016, zeichnet sich JAODAE durch einen vielfältigen musikalischen Geschmack aus und schöpft Inspiration aus verschiedenen Genres, um ihrem Sound eine einzigartige Note zu verleihen. Ihre komplexen Songstrukturen sind mit mitreißenden Melodien und kraftvollen Breakdowns gespickt. Mit "Nest of Veins" markieren sie einen neuen Kapitel nach ihrem Debütalbum "Cast In Ash" aus dem Jahr 2019 und der EP "Chimera" aus dem Jahr 2023.

Die Trackliste des Albums umfasst insgesamt acht Stücke, darunter "Lobotomite", "Prognostications", "The Arsonist Has a Name", "Nest of Veins", "Bog Body", "Agafia", "Cantiga 166", "The Sirens of Titan" und "Tree of Ténéré". Jeder Song trägt zur Gesamtstimmung des Albums bei und zeigt die Vielseitigkeit und das musikalische Können von JAODAE.

"Nest of Veins" ist ein beeindruckendes Werk, das mit seinen komplexen Strukturen, mitreißenden Melodien und kraftvollen Riffs sowohl instrumentale Virtuosität als auch emotionale Tiefe vereint. Die Band schafft es, den Hörer mit ihrer Musik zu fesseln und zu begeistern, ohne dass ein Sänger die Texte vorgibt. Jeder Song erzählt seine eigene Geschichte und lädt den Hörer ein, in die musikalische Welt von JAODAE einzutauchen.

Besonders hervorzuheben sind Tracks wie "Prognostications" mit seinem energetischen Rhythmus und den hypnotischen Gitarrenriffs sowie "The Arsonist Has a Name" mit seinem intensiven und treibenden Sound. Aber auch die ruhigeren Momente auf dem Album, wie zum Beispiel "Cantiga 166", zeigen die kreative Vielfalt der Band und bieten eine gelungene Abwechslung zu den schwereren und komplexeren Stücken.

Die Produktion des Albums ist exzellent und ermöglicht es den einzelnen Instrumenten, sich klar und prägnant zu entfalten. Jeder Ton ist deutlich zu hören und trägt zur Gesamtwirkung der Songs bei. Es ist offensichtlich, dass JAODAE viel Liebe zum Detail in die Aufnahme und Produktion von "Nest of Veins" gesteckt hat.

Insgesamt ist "Nest of Veins" ein eindrucksvolles und mitreißendes Album, das die musikalische Reife und Kreativität von JAODAE unterstreicht. Die Band hat es geschafft, ein Werk zu schaffen, das sowohl eingängig als auch anspruchsvoll ist und den Hörer auf eine musikalische Reise mitnimmt. Für Fans von Progressive und Heavy Metal, die sich auf eine instrumentale Reise einlassen möchten, ist dieses Album definitiv empfehlenswert.