Reviews

Grundsätzlich bin ich allen Genres im Metalbereich aufgeschlossen, doch der Bereich Symphonic Metal, den Bands wie Nightwish oder Epica in den 1990er Jahren nach Vorne gebracht haben ist mittlerweile fast schon zu sehr ausgelutscht und viele neue Ideen kommen dabei auch nicht mehr rum (Ayreon sei hier mit seiner progressiven Spielart mal ausgenommen).

Auch Gallia erfinden das Genre nicht neu und das Album "Obscura" mag zwar für Fans des Genres eine Bereicherung sein, aber mehr auch nicht. Natürlich ist das Album hervorragend produziert und handwerklich gut gemacht, aber die hinter dem Album stehende Story macht das Album auch nicht interessanter.

 So mancher Track könnte beim nächsten ESC aufgeführt werden, andere Tracks könnten der nächste Riverside-Marionetten-Tanz sein.

Obscura wird auf der Geschichte aufbauen, die von EP Everflame (veröffentlicht 2019) ins Rollen gebracht wurde. Bei Everflame ging es um den Kampf der Band gegen die Dunkelheit. Solange das Feuer brannte, würde es Hoffnung geben. Es war die Pflicht der Band, die Flamme am Laufen zu halten, diese Aufgabe wurde ihnen von einer alten Göttin anvertraut. Also haben sie all die Jahre hart gearbeitet, um das Feuer am Laufen zu halten und die Dämonen fernzuhalten. Manchmal war es hart und es fühlte sich an, als würde die Flamme erlöschen. Zweifel und Ärger schlichen sich in ihre Gedanken ein, aber solange sie zusammenblieben, würden sie das Feuer am Laufen halten.

Obscura wird die Geschichte der Band erzählen, die ihre Pflicht bei den Everflame beendet hat und zu einem Leben in Freiheit zurückkehrt und eine andere Welt findet als die, die sie zurückgelassen haben. Sie fühlten sich verloren und machten sich auf die Reise, um diese neue Welt wiederzuentdecken. Jeder Song erzählt einen neuen Teil der Welt, die sie entdecken, eine viel dunklere Welt, als sie zurückgelassen hatten.

GONE COSMICs zweites Album „Send for a Warning, the Future’s Calling“ mit neun Heavy-Psych-Hymnen, die entwickelt wurden, um die akustischen Synapsen der Hörer herauszufordern, wurde im November 2020 in den OCL Studios aufgenommen. Produziert, gemischt und aufgenommen wurde es von Josh Rob Gwilliam (Ghosts of Modern Man, JJ Shiplet, Michael Bernard Fitzgerald) und gemastert vom Grammy-prämierten Mastering Engineer Brian „Big Bass“ Gardner (Dr. Dre, David Bowie, Outkast, Die Melvins, Rush).

Im mittlerweile breitgefächerten Blues-Rock-Universum ist dieses zweite Album der Band mit einem doch stark nach Blues Pills riechenden Charakter etwas beliebig  und eintönig geraten. Hier gibt es mittlerweile viele andere und spannendere Acts.

Über das Album sagt die Band: „Während unsere Welt im Kontext einer globalen Pandemie, sozialer Isolation und sozialer und wirtschaftlicher Ungerechtigkeiten weiterhin Neuland betritt, wurde ‚Send ​​for a Warning, the Future’s Calling‘ geschrieben, um diese Erfahrungen gleichzeitig zu erforschen Diese Themen sind in dieser Sammlung von Songs konsistent und bilden die Grundlage der musikalischen Botschaft der Band, mit der Absicht, einen positiven und tiefgreifenden Einfluss auf Zuhörer und Community-Mitglieder auszuüben."

„Shiki“, ein Opus aus dunklem und vielseitigem Black Metal, eingehüllt in traditionelle östliche Einflüsse, markiert das neueste Kapitel im Sigh-Erbe und enthält einige der härtesten und dunkelsten Materialien der Band seit einigen Jahren; ein feiner Hybrid aus manchmal primitivem Black Metal, der mit frühen Einflüssen wie Celtic Frost verwandt ist, inmitten epischer melodischer Heavy-Metal-Riffs und Soli. Es wird Dich auf eine Reise durch das Seltsame und Psychedelische mitnehmen und während ihrer gesamten Karriere eine ganze eklektische Mischung aus Genrestilen und Experimenten einbeziehen. Hervorzuheben, dass Sigh eine wichtige kreative Kraft im Avantgarde-Bereich geblieben ist, während es seine Wurzeln der alten Schule bewahrt hat.

Wem nicht vor dem Blick über den Tellerrand graut, der ist hier bestens aufgehoben. Sigh waren schon immer etwas Besonderes im Genre Metal und sie werden es auch wohl immer bleiben. Angst vor Schrägem darf man nicht haben, aber genau das macht dieses Projekt zu einem musikalischen Erlebnis.

Zu Mirai und Dr. Mikannibal gesellen sich für diese Veröffentlichung Frédéric Leclercq von Kreator, der US-Schlagzeuger Mike Heller von Fear Factory und Raven sowie ein Auftritt des langjährigen Mitglieds Satoshi Fujinami am Bass. „Shiki“ wurde in mehreren Studios aufgenommen und von Lasse Lammert in den LSD-Studios in Deutschland gemischt und gemastert. Das Album verwendet eine ganze Reihe von Instrumenten, um den Kompositionen und der unheimlichen Atmosphäre weitere Textur und Dynamik zu verleihen, darunter traditionelle orientalische Instrumente wie die Shakuhachi- und Sinobue-Flöten.

Das Wort „Shiki“ selbst hat im Japanischen verschiedene Bedeutungen wie vier Jahreszeiten, Zeit zu sterben, Orchester leiten, Zeremonie, Motivation, Farbe. Die beiden Hauptthemen des Albums sind „Vier Jahreszeiten“ und „Zeit zu sterben“. Das Konzept und die Grafik basieren auf einem traditionellen japanischen Gedicht, und auf „Shiki“ erkundet Mirai, wie er selbst in dieser Lebensphase den Herbst und den kommenden Winter durchlebt und fühlt sich so in die gegensätzlichen sentimentalen Gefühle ein, die beim Betrachten von Kirschblüten (ein Symbol des Frühlings) entstehen.

Selbst gemacht, selbst definiert und auf einem Weg, der ganz ihr eigener ist, sind I Prevail bereit, ihre WAHRE KRAFT anzunehmen.

Das Platin-zertifizierte und zweimal GRAMMY-nominierte Rock-Kraftwerk I Prevail aus Michigan – Brian Burkheiser (Gesang), Eric Vanlerberghe (Gesang), Steve Menoian (Gitarren/Bass), Dylan Bowman (Gitarren) und Gabe Helguera (Schlagzeug) – sind zurück mit ihrem dritten Full-Length-Album auf Fearless Records.

Das Album schlägt voll in die US-amerikanische Modern-Metal-Core-Kerbe und präsentiert geschickt verwoben verschiedene Genres, um möglichst viele Zielgruppen und potenzielle Zielgruppen anzusprechen. Und genau das ist der Knackpunkt des Albums. Die Arrangements der Songs sind zu sehr durchstrukturiert und ganz gezielt auf Billboard ausgerichtet und produziert. Es fehlt irgendwie an Ecken und Kanten.

I Prevail erreichte Arena-Niveau und erhielt zwei Grammy-Nominierungen – „Bestes Rock-Album“ für „Trauma“ und „Beste Metal-Performance“ für die überwältigende Lead-Single „Bow Down“. Bis heute haben sie mehr als 2,7 Milliarden globale Streams gesammelt, nähern sich 350 Millionen YouTube-Aufrufen und sahen ihre Single „Hurricane“ im Jahr 2020 an der Spitze der Mainstream-Rock-Airplay-Charts von Billboard: damals offiziell der Top-Song im US-Rockradio.

CoppiCat alias Rafael Triebel veröffentlicht mit "Widerstände" sein Debütalbum. Das Album spielt irgendwo zwischen Indie-Pop und Singer/Songwriter und immer wieder mit dieser typisch hauptstädtischen Melancholie. Damit wirkt das Album musikalisch leider auch etwas beliebig.

CoppiCat ist mit Berlin sehr verbunden. Er ist hier geboren, aufgewachsen und hat sich nach der Coppistraße in Lichtenberg benannt, in dem einst sein eigens ausgebautes Studio stand, aus dem er nach zehn Jahren rausgeschmissen wurde. In seinem sehr persönlichen und „kiezigen“ Debütalbum „Widerstände“ werden in fast jedem Lied kleine Details besungen, die diese Stadt für ihn ausmachen oder einmal ausgemacht haben - ohne dabei Berlin als Floskel zu benutzen. Er besingt u.a. die Veränderungen in seiner Langzeitbeziehung parallel zur Veränderung des Stadtbildes und lässt seiner Wut über den Studiorausschmiss freien Lauf. Da in Zeiten von Streaming selbst größere Bands nicht mehr von der eigenen Musik leben können, versöhnt sich CoppiCat im Song „Triff mich beim Reparieren“ mit seinem Brotjob als Elektrotechniker. Er weiß, dass er mit deutschsprachiger Indiemusik nicht genug Geld verdienen kann, um davon leben zu können. Die Elektrotechnik ermöglicht es ihm, frei und unabhängig Musik machen zu können ohne dabei Kompromisse eingehen zu müssen. Gleichzeitig will er mit dem Lied Widerstand gegen die Wegwerfgesellschaft leisten, denn „reparieren heißt für alte Sachen, sie fit für die Zukunft zu machen...“.  Auch der Albumtitel ist mehrfach interpretierbar, denn Widerstände sind auch Bauelemente der Elektrotechnik.

Beim ersten Hördurchgang hört sich das Album erfrischend, neu und trotzdem vertraut an. Beim genauen Blick auf das Lineup der Band wird einem klar, dass es sich hier um eine Zusammensetzung von altgedienten Rockmusikern handelt, die hier ihr Debüt in dieser Formation vorstellen: Drummer Nigel Glockler (Saxon), Robert Berry - Bass, Gesang, Keyboard (3 - mit Keith Emerson und Carl Palmer) und Gitarrist Ian Crichton (Saga). Man kannte sich von verschiedenen Projekten (GTR, Asia) und tat sich nun nach vielen Jahren zu diesem Projekt zusammen.

Man hört zwar die jeweiligen Herkünfte der Musiker heraus, aber dennoch entwickeln sie zusammen ihren eigenen Bandstil, der nicht als Coverversion einer bestimmten Band klingt. Alles ist dabei: Stadionrock, retroproggige Strukturen, aber alles so eingängig und doch komplex genug, um in Zukunft viele, viele Runden im Dreher zu verweilen.

Es bleibt spannend, was dieses Trio in Zukunft vorlegt und wie sich eine geplante Tour entwickelt.

Kaum eine deutsche Metalband wird derzeit so gehypt wie Unprocessed. Ihre Mischung aus Metalcore und Progressive Metal ist in einigerlei Hinsicht neu und auch etwas gewöhnugnsbedürftig, weil man sich nicht auf ein bestimmtes Genre festlegen will und somit auf eine breite Hörerschaft aus ist.

Der Erfolg bei den großen Festivals wie Rock am Ring und Rock im Park gibt ihnen recht. Sie scheinen den goldrichtigen Weg eingeschlagen zu haben und vielleicht eröffnet das dem Nischengenre Progressive Metal und somit Bands wie Lepürous und Haken neue Wege.

Technisch ist das Vorgespielte feinste Sahne, allerdings fehlt den Komposition aus meiner Sicht jegliche Emotion und hört sich zu sehr durchkalkuliert an.

Zeitnah zum Release von „Gold“ am 12.08.2022 begibt sich das Quartett als Support für Polyphia auf große Nordamerika-Tournee. Die Konzertreise startet am 28. Juli im texanischen Houston und führt u.a. über New Orleans, New York, Montreal, Chicago, Seattle sowie Los Angeles und findet am 3. September in Austin, Texas ihr Finale. Zeitnah zum Release von „Gold“ am 12.08.2022 begibt sich das Quartett als Support für Polyphia auf große Nordamerika-Tournee.

Die Konzertreise startet am 28. Juli im texanischen Houston und führt u.a. über New Orleans, New York, Montreal, Chicago, Seattle sowie Los Angeles und findet am 3. September in Austin, Texas ihr Finale.

Die Londoner Heavy- und Progressive-Rock-Band ELEPHANT TREE veröffentlicht eine exklusive „Track By Track“-Live-EP, um Geld für die laufenden humanitären Bemühungen in der Ukraine zu sammeln.

Das aus zwei Songs bestehende Angebot wurde diesen Frühling beim Sonic Whip Festival in Nijmegen, Niederlande, aufgenommen und präsentiert eine mitreißende Interpretation von „The Fall Chorus“ und „Sails“ – beide von ihrem 2020er-Album „Habits“ –, auf dem ELEPHANT TREE zusammen mit Joe Butler am Cello und Charlie Davis an der Violine zu hören sind.

Die Band sagt: „Wir fühlen uns offensichtlich stark wegen des anhaltenden Krieges in der Ukraine, wie jeder es sollte, und dachten, dass es nur richtig ist, unsere Freunde und die Menschen in der Ukraine so gut wie möglich zu unterstützen.“ Jack hatte die Idee einen kurzen Ausschnitt aus einigen Live-Tracks zusammenzustellen und mit einem Künstler zusammenzuarbeiten, um etwas zu schaffen, das die Menschen genießen und für großartige Zwecke spenden können. Zusammen mit David Frankum wurde Track By Track geboren. Hoffentlich halten wir auch das Bewusstsein für das, was immer noch dort drüben passiert, aufrecht, und einige Leute fühlen sich inspiriert, weiterhin auf andere Weise zu helfen. Dies ist auch das erste Mal, dass viele Leute die Aufnahme unserer Streichergruppe als Teil einer Live-Performance hören werden!"

ELEPHANT TREE haben die letzten sieben Jahre damit verbracht, ihren schweren, melodischen Sound einem Publikum in ganz Großbritannien, Europa und den USA zu liefern, wobei ihr selbstbetiteltes Album von 2016 Lob von Kritikern und Fans gleichermaßen erhielt. Anfang 2019 betrat die Band die Church Studios, um ihr drittes Album „Habits“ (2020) mit Toningenieur und Produzent Riley MacIntyre (The Horrors, Thurston Moore, Adele) an der Spitze herauszubringen. „Habits“ ist ein introspektiver Blick auf die Muster und Erfahrungen, die uns zu Menschen machen – eine ehrgeizige, von Emotionen getriebene Reise aus weitläufigen, aber nie dagewesenen Klanglandschaften, die alle sanft in die bezaubernden Vocals von Jack Townley und Peter Holland gehüllt sind. Diese Champions des Underground haben ihr vielleicht bisher zusammenhängendstes Album abgeliefert, eine schillernde Mischung aus Prog, Psych und melodischem Heavy Rock.

- ohne Wertung -

40 Jahre nachdem er zum ersten Mal in Bands in seiner Heimat im Nordwesten Englands aufgetreten ist, ist Butterfly Mind die bisher unerwartetste Veröffentlichung von Tim Bowness, von den kurzen, scharfen Schocks von Always The Stranger und Only A Fool bis hin zu den langen Ambitionen von The Das sinnliche Dark Nevada Dream, der filmische Electro Ballroom von Glitter Fades und die dystopische Paranoia von Say Your Goodbyes Part 1 und 2 Butterfly Mind liefern eine aufregende Fusion aus Art-Rock-Erfindung, Post-Punk-Energie und epischen, gefühlvollen Balladen.

Tims siebtes Soloalbum, sein sechstes für InsideOutMusic Sony, enthält die herausragende Rhythmusgruppe von Richard Jupp (in seiner ersten großen Session, seit er Elbow verlassen hat) und Nick Beggs neben einer spektakulären generationen- und genreübergreifenden Gästeliste, darunter Ian Anderson (Jethro Tull), Dave Formula ( Magazine), Peter Hammill (Van Der Graaf Generator), Martha Goddard (The Hushtones), Gregory Spawton (Big Big Train), Mark Tranmer (The Montgolfier Brothers GNAC), Saro Cosentino (Franco Battiato), der italienische Jazzmusiker Nicola Alesini US-Sänger Devon Dunaway (Ganga), Stephen W. Tayler (Kate Bush) und, was seine erste Studioarbeit mit Tim seit fast drei Jahrzehnten markiert, der ehemalige No-Man-Geiger Ben Coleman.

Tim Bowness ist es gelungen ein Kunstwerk zwischen anspruchsvollem und trotzdem eingängigem New Art Rock, Elektronik-Rock wie ihn zuletzt David Bowie abgeliefert hat und stimmungsvollen Klanglandschaften zu schaffen. Dieses Album wird aufgrund seiner recht melancholischen Spielart definitiv zu den Herbstalben im Regal gehören.

Through The Void ist ein belgischer Nu-Metal-Act. Ihre Songs sind mit roher Energie gemacht, für Live-Auftritte konzipiert und besser im Pit erlebbar.

Ihre Einstellung auf der Bühne trieb sie dazu, Gigs mit Skindred, Kadinja und killthelogo zu spielen.

Unsere Texte spiegeln wider, was uns umgibt, das alltägliche Unbehagen, das aus dem Abgrund zwischen dem Guten und dem, was die Welt durchmacht, entsteht. Doch über diese Aussagen hinaus tragen sie immer die Hoffnung und Kraft, die wir brauchen, um durch diese Leere zu gehen.

Wir würden uns als beeinflusst beschreiben von: Linkin Park, Slipknot und der guten, knallharten Energie von While She Sleeps.
Unser Ziel ist es, die gute Musik der 90er mit einem modernen Touch zurückzubringen.

Diesem Statement ist nichts hinzuzufügen, denn ihr Unterfangen ist genau aufgegangen. Sie haben es geschafft, den Nu-Metal der 90er in die 2020er zu transferieren und aufzupeppen.

Nachdem die Steckbeckenzecken von Aphrodite dazu auserkoren wurden, das gelobte Reich der Liebe zu beherbergen, zogen die vier Romanzenrocker für einige Zeit bei ihr ein, um sich in ihrer anmutigen Aura zu laben.

Jetzt, wo sie wieder zur Erde zurückkehrten, entschlossen sie sich dazu, eine Langspielplatte mit Liedern, über ihre erlebten Eindrücke, aufzunehmen und zu veröffentlichen.

So behandelt dieses Album Gefühle und Empfindungen im Zusammenhang mit der Liebe.
Dabei wird in den Songs nicht nur über Glück und Frohsinn musiziert, sondern auch über die schattige Seite der Herzensemotionen, wie Kummer und Sehnsucht.

Mit einer gekünstelten R-rollenden Stimme in Richtung J.B.O., einer Mischung aus Funpunk und Deutschrock ist das Album prädestiniert für alkoholgetränkte Teenieparties und Putzorgien von Endvierzigern. Nichts mit Tiefgang, aber eine Garantie für gute Laune und Stimmung.

Diese härtere neue Veröffentlichung ist nichts für schwache Nerven, denn das vierte Album der düsteren und progressiven Sludge-Giganten BEHOLD! THE MONOLITH wird dich auf eine (katastrophale) Reise in den Abgrund zu entführen. „From The Fathomless Deep“ ist die bisher dunkelste und bedrohlichste Platte des Trios, ein Album, das furchtlos in den Abgrund starrt. Mit einem Sound, der Doom Metal, Black Metal und rasanten Sludge mit epischer progressiver Handwerkskunst umfasst, ist dies eine furiose, sich verändernde Platte, die Fans von Inter Arma, Intronaut, Mastodon und Primitive Man erfreuen sollte.

Bereits der Opener "Crown - The Immeasurable Void" weist den Weg für den Rest des Albums: schleppende Gitarren, die sich zu meterhohen Soundwänden aufbauen und düstere Stimmen (nahe an Growls), die aus den albumbezeichnenenden unergründlichen Tiefen kommen, sind die Zutaten, die dieses Album ausmachen. Mit "Spirit Taker" und "This Wailing Blade" geht es mächtig nach vorne und B!TM beweisen, dass sie auch schnelleren Black Metal können, vor es mit "The Seams of Pangaea" und der "Stormbreaker Suite" wieder atmosphärisch dicht und schleppend in Richtung Abgrund geht.