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Welcome To Grime Town ist das sechste Studioalbum der skandinavischen Garage-Rock-Formation GRANDE ROYALE. Sie präsentieren die Bandbreite der Band von einer eher entspannten, melodischen und akustischen Seite bis hin zu eingängigem und energischem Hardrock. Die neue Platte wird am 24. März 2023 über The Sign Records veröffentlicht.
„Welcome To Grime Town“ liefert zwölf kraftvolle Tracks, die alle den überzeugenden Stil von GRANDE ROYALE widerspiegeln. Raue Riffs, E-Gitarren und dynamische Percussion manifestieren sich in einer feurigen Explosion. Von „Tell Me“ bis „The End“ präsentieren GRANDE ROYALE eine aufregende Reise voller hochoktaniger Tracks und intimer melodischer Momente. „Tell Me“ sorgt für eine energiegeladene Eröffnung, die den Ton für das Album angibt. „Utopia“ enthüllt eine sanftere Seite mit einer akustischen Komposition, die sich allmählich aufbaut, bevor sie in Vollgas-Verzerrung ausbricht. „Stark Raving Mad“ nimmt eine weitere Wendung und bringt einen Hauch von Punk mit einem düsteren Rand. Mit Inspiration für den Track aus einem Monty-Python-Universum ist „Stark Raving Mad“ ein eingängiger Hit.
Über GRANDE ROYALE:
GRANDE ROYALE ist eine Rock’n’Roll-Band, die die Rockszene der frühen 70er in Detroit mit der Rockszene der 90er in Skandinavien verschmelzen lässt und als Zugabe einige Vintage-Pop-Elemente hinzufügt. Die Band wurde 2014 gegründet und veröffentlichte im selben Jahr ihr Debüt Cygne Noir. Im Laufe ihrer Karriere tourte die Gruppe durch ganz Europa und GRANDE ROYALE wurde zu einem Namen, mit dem man in der schwedischen Rockszene rechnen muss. Jetzt bereiten sie sich auf die Veröffentlichung ihres sechsten Studioalbums „Welcome to Grime Town“ vor und schlagen mit diesem Angebot ein neues Kapitel für die Band auf, in dem Calle Rydberg Andreas Jenå an Gitarren und Gesang ersetzt.
Frankreichs Atomic Trip veröffentlichten im vergangenen Oktober ihr drittes Album und im kommenden März 2023 werden sie es auf Vinyl zum Kauf anbieten. Doomy und matschig, „Strike #3“ ist ein Hauch von süßem Rauch und ein Kopf voller Flaum. Bestehend aus zwei langen Tracks „Bomb #5“ und „Bomb #6“, bereiten Sie sich auf eine heftige Dosis elektrischer Riffs vor. Die Band teilt ihre Begeisterung:
„Wir sind so stolz auf unser drittes Album. Wir denken, dass wir alle Barrieren überwunden haben, um unser Motto zu halten: Weniger ist mehr. Mit ein paar Riffs haben wir ein progressives psychedelisches Doom-Meisterwerk geschaffen. Hier wird das Einfachste zum Komplexesten und jede einzelne Note wiegt eine Tonne. Eine Tonne Obertöne, Resonanz, Feedback. Als wir diese Tracks zum ersten Mal live spielten, waren wir nicht zuversichtlich und zögerten, aber die Leute haben so gut reagiert! Von dunklen Kellern bis zu den größeren Bühnen auf Metal-Festivals, es war immer ein totaler Knaller, von der Spitze bis zum letzten Schlagzeugschlag. Um Streik Nr. 3 in einem Satz zu beschreiben: Ob Sie es mögen oder hassen, Sie können es nicht ignorieren.“
Fans, die mit Atomic Trip vertraut sind, werden von „Strike #3“ nicht enttäuscht sein; die Fortsetzung von „Strike #2“ und Strike #1, es ist noch vernichtender und noch „in your face“ als seine Vorgänger. „Bomb #5“ ist voller Finesse und Härte, eine Fuzz-Apokalypse und eine Kavalkade aus verrücktem Drumming. „Bomb #6“ wirft mit durchdringendem Feedback und Toms-Rolls und psychedelischer Härte ein. Die letzten beiden letzten bleiernen Minuten davon werden dein Gehirn komplett verdrehen.
Das Album wurde von Alexandre Borel gemischt und gemastert und das Album-Artwork wurde von Jean-Luc Navette erstellt. Am besten mit ein paar Bieren und einem Joint serviert, liefert Atomic Trip den Soundtrack für einen dunstigen Abend und eine kosmische Reise, also lehnt Euch zurück und entspannt Euch.
CHOIR, die Ein-Mann-Einheit aus Singapur und Brasilien, bereitet sich auf die Veröffentlichung des neuen Albums „Songs for a Tarnished World“ am 24. März 2023 vor. CHOIR komponiert extremen Metal, der Genres kreuzt, und konstruiert düstere Umgebungen.
„Songs for a Tarnished World erzählt großformatige Landschaften einer verfallenden Welt. Es lässt sich von einer Reihe musikalischer Genres inspirieren, die so groß sind wie die Umgebungen, die es entwickelt und seelenzerreißende Melancholie."
Das neue Album, das epische Klanglandschaften und unheimliche Stimmungen manifestiert, verschmilzt Doom- und Black-Metal-Stile und erzeugt ein düsteres und immersives Erlebnis. Jeder Track auf Songs for a Tarnished World erzählt Geschichten einer Welt, in der das Leben aus der Sicht ihrer Landschaften zu Ende gegangen ist; es feiert das Leben mit der Nostalgie, die erst entsteht, wenn es verloren gegangen ist. Mit „Drawn to an Early Grave“ eröffnend, etabliert CHOIR das dystopische Setting mit einer gewaltigen und eindringlichen Komposition. „The Shore Roars an Elegy“ folgt darauf, Black-Metal-ähnliche Geschwindigkeit und Intensität mit unerbittlicher Metal-Instrumentierung einzuführen. „Wail! For the Evocation of Mire“ entfesselt eine dissonante Einladung in den Abgrund. Ohrenbetäubend schwere, absolut dämonische Vocals steigen durch die Schatten. Songs for a Tarnished World endet mit dem obskuren „Caravan and Swarm“. Die Düsternis zeichnet sich ab, während die Kraft von dynamischen Rhythmen ausgeht und eine beunruhigende und unheimliche Atmosphäre hervorruft.
Legenden der Wüste Bd. 3 enthält zwei Old-School-Veteranen des Wüstenrocks, FATSO JETSON und DALI'S LLAMA. Das Album ist das dritte in der Legends of the Desert-Serie von Desert Records und enthält brandneue Musik von beiden Bands.
Der Fokus der Legends of the Desert-Reihe liegt darauf, dem antiquierten „Wilden Westen“, den wir uns ins Gehirn eingeprägt haben, eine moderne Perspektive zu bieten. Diese Lieder und Geschichten werden nicht aus der gleichen alten Perspektive des weißen männlichen Cowboys erzählt. Dies sind Erzählungen, die von denen erzählt werden, deren Geschichten nie gehört wurden. Wir werden von Musikern, Künstlern, Eingeborenen, Gesetzlosen, Wüstenratten, Wüstenbewohnern, Kakteen und Tafelbergen, Raben und Straßenläufern, Schlangen und endlosen Himmeln hören.
FATSO JESTON ist eine amerikanische Wüstenrockband aus Palm Desert, Kalifornien, die 1994 von Mario Lalli und Larry Lalli, den Mitgliedern von YAWNING MAN und THE SON OF QUARTET, zusammen mit Tony Tornay und Dino Von Lalli (Sohn von Mario) gegründet wurde. Die Band ist seit fast 25 Jahren eine aktive Kraft im Underground-Rock und wird oft als Begründer des Wüsten-Stoner-Rock bezeichnet, der durch ihre jüngeren Nachbarn KYUSS und QUEENS OF THE STONE AGE am bekanntesten wurde. FATSO JETSON ist zwar musikalisch einigen ihrer Stoner-Brüder ähnlich, beinhaltet aber eine Vielzahl musikalischer Einflüsse, darunter Punk, Art Rock, Blues und psychedelischer Hard Rock.
DALI'S LLAMA ist eine Wüstenrockband aus der Gegend von Palm Springs/Palm Desert in Südkalifornien. Die Band wurde 1993 gegründet und wurde von dem Ehepaar Zach und Erica Huskey gegründet, die von Anfang an die einzigen beiden Originalmitglieder geblieben sind. Zach ist der Gitarrist, Sänger und Songwriter und Erica ist die Bassistin. Dalis Llama hat 15 Alben veröffentlicht und ihre Musik war in fünf Filmen zu sehen, darunter in der Wüstenrock-Dokumentation „Lo Sound Desert“. Sie haben im Südwesten der Vereinigten Staaten gespielt und/oder getourt, darunter die Feste „Stoner Hands of Doom“ und „Doom In June“.
Seine Kompositionen greifen alte Traditionen auf, beschwören das Vertraute herauf, während sie neue Landschaften in synthetischen Texturen erkunden, die sich behutsam in die Mischung einfügen; niemals die einfachen Gitarrenlinien überwältigen, während Welten von Tiefe und harmonischer Schwerkraft hinzugefügt werden.
Als wir über die Platte sprachen, wurde klar, dass dies die Magie seines kreativen Prozesses war. Nachdem er über ein Jahrzehnt lang frühe amerikanische Gitarrenformen studiert hatte, wollte David seine erste Sammlung von Originalmaterial auf eine Weise angehen, die die Gitarristen huldigt, die er liebte und die er nachgeahmt hatte, aber aus einer Perspektive, die sich auch frisch anfühlte und ihn von den anderen Titanen der Gitarre unterschied, mit denen er Zeit verbracht hatte, zu ihnen aufzuschauen.
David: „Irgendwann Anfang 2021 wurde mir klar, dass ich ungefähr 17 Original-Gitarrenstücke hatte, und mir kam der Gedanke, dass ich vielleicht ein Album aufnehmen sollte. Die meisten Songs sind zwar etwas technisch im Spielstil, aber strukturell ziemlich einfach, also dachte ich, es würde Spaß machen, ins Studio zu gehen und zu sehen, welche zusätzlichen Instrumentals ich mir einfallen lassen könnte, um sie zu erweitern. Ich war schon immer ein großer Fan von elektronischer/experimenteller Musik, die zum Ambient-Bereich tendiert, und ich dachte, es wäre cool zu sehen, ob ich mich einigen der Sounds nähern könnte, die ich in diesen Stilen gehört habe, um zu sehen, wie sie mit meinem Gitarrenspiel verschmelzen.
Der Toningenieur, mit dem ich zusammengearbeitet habe, Benjamin Cleek, konzentriert sich stark auf die Filmmusik, also dachte ich, dass er hervorragend geeignet wäre, um mir bei der Verwirklichung meiner Vision zu helfen.
Ich würde Sounds, die ich in der Musik gehört habe, die ich lieben würde, von Boards of Canada usw. usw. auf alle Arten von experimenteller Musik beziehen. Und er hatte immer einen Sound/Synthesizer/oder ein Original-Sample, das wir für mich erstellten, um es auf dem Keyboard zu erkunden und mit meiner Gitarre zu harmonieren. In vielerlei Hinsicht war es wie die Freiheit, die mir als Kind beim Erkunden von Klängen auf dem Klavier eingeräumt wurde.
Alle Akustikgitarren-Tracks auf dem Album wurden in nur 4 schnellen Sessions aufgenommen und die zusätzlichen Instrumentals wurden im Laufe von etwa einem Jahr erstellt, wobei Ben einmal pro Woche ins Studio ging. Mann, es war eine tolle Zeit, aber auch eine Menge harter und manchmal mühsamer Arbeit … zum Glück erinnere ich mich nur an den Spaß an der ganzen Sache.“
Es ist selten, dass ein Debüt diese Inkubationszeit hat und nicht überreizt und wählerisch daherkommt. Glücklicherweise haben David und seine Mitarbeiter ein solches Ohr für leichte Verzierungen, dass die Platte immer hell und fokussiert bleibt.
My Absence By Now, ein italienisches Dark-Synth-Projekt, wird sein Debütalbum „Bliss“ über The Circle Music am 24. März im CD-Format und am 22. Juni auf Vinyl veröffentlichen.
My Absence By Now ist das neue Kind des italienischen Multitalents Emiliano Santoro. Santoro ist vor allem für seine Arbeit als Begründer von Doom/Atmospheric Post Black Metal/Post Rock Dead Summer Society und Dark Ambient Last Winter I Died bekannt. Er war auch Gitarrist in der Gothic/Doom-Band How like a Winter. Es ist jedoch an der Zeit, neue Wege und unberührte Landschaften zu erkunden, um mit neuen Klängen zu experimentieren. Das Ergebnis ist eine beispielhafte Mischung aus dunklem Synthesizer, die die Gefühle des Hörers in eine Welt hineinzieht, in der die Dunkelheit die Existenz der letzten verblassten Sonnenstrahlen bestreitet.
Begleitet werden Santoro auf dieser Reise von den Gastsängerinnen Graziana Oddo (ebenfalls Sängerin in der funky Electronic-Band Elektrovice und einst in der Rock-Elektronik-Band Retina) und Andrea Maggioni (beteiligt an mehreren Metal-Projekten wie Post-Black Metal Icidar, Funeral Doom The Harrowing Yearning und Technical Deathcore Astrale Leere).
Die Musik von My Absence By Now lässt sich in die Grenzen von elektronischem Dark Synth Ambient einordnen, aber die erzeugten Klanglandschaften sind vielgestaltig, nicht einfach in ein bestimmtes Genre einzuordnen: Musik ist atmosphärisch und nostalgisch, urban und kalt, luftig und traumhaft, melancholisch von Frauen umschmeichelte Melodien, aber plötzlich von rauem Männergesang geschnitzt. Man könnte sagen, dass „Bliss“ ihr eigener, versteckter Ort ist, um ihren instabilen Himmel zu betrachten und auf die Helligkeit oder den Sturm zu warten.
"In diesem Song geht es darum, sich mit der Tatsache abzufinden, dass die Person, in die man verliebt ist, nicht mehr in einen verliebt ist", sagt Sänger und Gitarrist Brendan Scholz von der in Las Vegas ansässigen Pop-Punk-Band MERCY MUSIC über die umwerfend peppige Alt-Rock-Single und das Video ("Love You/Need You") aus ihrem kommenden vierten Album What You Stand To Lose, das am 30. Juni via Double Helix Records/SBÄM Records erscheint.
"Es gibt all den physischen und mentalen Schmerz, der mit [Herzschmerz] einhergeht, zusammen mit dem Versuch, mit all dem umzugehen, es zu nutzen, um zu versuchen, besser zu werden und zu wachsen. Die Texte im Refrain waren eine Möglichkeit, die Dinge, die mir in dieser Situation gesagt wurden, auf den Punkt zu bringen." Bassist Jarred Cooper fügt hinzu: "Brendan ist ein Meister darin, das zu spielen, was wir 'teure Akkorde' nennen. Dieser Song ist ein Paradebeispiel dafür. Er wird auf jeden Fall live gespielt werden, da er meiner Meinung nach einer der besten Songs des Albums ist. Er hat starke 90er-Jahre-Vibes, die ich liebe."
Das von Bill Stevenson produzierte Album erscheint am 30. Juni, Pre-Order sind bereits ab dem 24.3. online.
Nach der Veröffentlichung von „Katedralen“ aus dem Jahr 2021 kehrt MORK dieses Jahr mit einem neuen Opus zurück – „Dypet“, das am 24. März 2023 bei Peaceville Records erscheinen soll.
Auf „Dypet“ erschaffen MORK ein Miasma aus düsteren und eiskalten Riffs und harten Gesangsmelodien und markieren die nächste logische Evolution, die vom brillanten Geist von Thomas Eriksen ausgeht. Das Album treibt gleichzeitig neue Ideen voran, behält aber dennoch die charakteristischen Grundlagen des eiskalten, hypnotischen Black Metal bei.
Thomas Eriksen kommentiert: „Ich bin sehr stolz darauf, die Veröffentlichung meines sechsten Albums in voller Länge präsentieren und erleben zu können. Ich habe jeden einzelnen Tropfen meiner selbst in den Prozess der Gestaltung von MORKs Musik gesteckt. Mit diesem neuen Album vielleicht sogar noch mehr. Da der Albumtitel, der übersetzt „The Deep“ bedeutet, etwas aus der Tiefe an die Oberfläche gebracht wurde, wurde „Dypet“ von meinem Leben in den letzten Jahren inspiriert, den Gedanken, Gefühlen, Leidenschaft und der Entwicklung von Kreativität Freier Wille. Tauchen Sie ein und lassen Sie sich in den Abgrund sinken.“
Das Album enthält auch einen besonderen Gastauftritt von HJELVIK, dem ehemaligen Sänger der nordischen Legenden Kverlertak, auf „Hoye Murer“. Es taucht auch in die Welt der analogen Synthesizer ein und fügt MORKs Palette eine andere, aber nicht weniger höllische Klanglandschaft hinzu.
„Dypet“, norwegisch für „Abgrund“, verspricht, seinem Namen treu zu bleiben und liefert acht brandneue Tracks mit Thomas Eriksens charakteristischem Black Metal-Gebrüll und ätzenden Gitarren. Das Album wurde erneut von Eriksen aufgeführt, aufgenommen und gemischt, wobei Freddy Holm die Technik unterstützte, während das Mastering von Jack Control bei Enormous Door (Darkthrone) durchgeführt wurde.
Auch David Thiérrée kehrt nun in seiner dritten Zusammenarbeit mit MORK zurück. Sein Artwork ist ebenso zum Synonym für MORKs Sound geworden. Das Stück ist vom Thema „Draugen/Cthulhu“ des Albums inspiriert; Ebenfalls in der Kunst enthalten ist ein von Jannicke Wiese-Hansen geschaffenes Wappen.
Die Inspiration hinter dem Titeltrack des Albums liegt in H.P. Lovecrafts Cthulhu-Mythos, aber mit einem nordischen Touch. Anhand der norwegischen Küste als Kulisse veranschaulicht das Kunstwerk einen mysteriösen Kult, der jetzt die „Draugen“ (ein mythischer Meeresgeist in der norwegischen Überlieferung) verehrt und dem Meerestier von Cthulhu huldigt.
„Dypet“ ist kein Konzeptalbum und die Themen Hass, Tod, Verrat, innere Dämonen und Misanthropie werden Fans des Black Metal zu Hause finden.
„Die unerbittlichen Nagetiere von Black Rabbit setzen ihre Überlieferung fort, indem sie ein Rückgrat für ihr Konzept schaffen. Die chronologische Reihenfolge des Albums spiegelt die Muster, Tempi und Aktivitäten des menschlichen Gehirns während des Schlafprozesses wider.
Sie implementierten eine Geschichte in diese Struktur, die nachverfolgt, wie Black Rabbit seine Opfer in den Schlaf hypnotisiert (indem er ihnen in seinem Buch vorliest), um sie zur Hölle zu verdammen. Bevor sie jedoch durch die Tore gehen, müssen sie zunächst eine Reihe von Aufgaben erledigen, um zu verstehen, warum dies ihr Schicksal ist.
Nach dem ersten Energieschub, den man beim Einschlafen verspürt, taucht man sofort in die Tragödie eines Verrückten-Schicksals ein.“
Musikalisch ist das Werk hervorragend in die Thematik eingebettet mit Thrash, Doom und Death Metal Elementen.
Morass Of Molasses werden ihr drittes Album und Ripple Music-Debüt „End All We Know“ veröffentlichen: gleichermaßen aus der fruchtbaren Asche der Frustration wie aus dem erleuchtenden Licht der Hoffnung geboren, spiegelt es eine Band wider, die vollständig in ihren eigenen Übergang zu etwas Neuem eingetaucht ist. Das Experimentieren, das schon immer ihr Lebenselixier war, ist jetzt zum bestimmendsten Faktor geworden. „End All We Know“ ist ein sumpfiger, herzlicher und stampfender 8-Track, der vor Meisterschaft und Tiefe strotzt, von einer Band, die keine Angst davor hat, ihren Blues mit etwas flockigem, fleischigem Gewicht zu verstärken. Fans von Orange Goblin, Geezer, Mos Generator oder Green Lung sollten aufpassen. Die Band wurde bestätigt, diesen Mai auf dem Deserfest London zu spielen.
Morass Of Molasses, die Sumpfmeister-Generäle der Reading-Szene, schaffen eine reichhaltige Mischung aus schwerfälligen Blues-Riffs und emotionalen Vocals. Sie haben sich mühelos als eine Kraft etabliert, mit der man rechnen muss, und haben die Bühnen mit Größen der Szene wie Crowbar, Orange Goblin, Ohhms, Elephant Tree, Desert Storm und Green Lung geteilt.
Ihr erster mutiger Auftritt beim Bloodstock Festival im Jahr 2015 trug dazu bei, sie in einen unerbittlichen Tourplan zu treiben, während dessen sie die EP „So Flows Our Fate“ selbst veröffentlichten. Die EP erhielt eine Flutwelle von Kritikern und erregte die Aufmerksamkeit von Hevisike Records für die Veröffentlichung ihres Debütalbums „These Paths We Tread“ im Jahr 2017, dicht gefolgt von bedeutsamen Auftritten auf der Sophie Stage beim Bloodstock Festival und HRH Doom vs Stoner. 2019 veröffentlichten Morass Of Molasses das mit Spannung erwartete zweite Album „The Ties That Bind“, produziert von Ian Sadler (OHHMS, Faymne) und veröffentlicht über Wasted State Records.
Über ihr kommendes Album sagen sie: „Das Album ist das erste Album, das wir geschrieben haben, ohne mit dem Material vorher auf Tour zu gehen, und als Ergebnis wurden alle Songs ‚remote‘ geschrieben, indem wir uns gegenseitig Ideen zusandten. Dies führte zu einem weitaus größeren Maß an Experimenten und Mut in unserem Songwriting-Bereich. Diese verschmolzen dann zu einem dynamischen, mitreißenden Klangpanorama, breiter als alles, was zuvor versucht wurde.
Les Dunes ist eine neue Instrumental-Alternative-Band aus Haugesund, Norwegen, die ihr selbstbetiteltes Debütalbum am 24. März über Kapitän Platte/Apollon Records veröffentlichen wird.
Bestehend aus Mitgliedern von Bands wie The Low Frequency in Stereo, Undergrunnen, Lumen Drones, Helldorado und Action & Tension & Space. Die Band besteht aus Per Andreas Haftorsen an der Gitarre, Morten Jackman am Schlagzeug und Per Steinar Lie am Bass.
Das Ergebnis erinnert an die fantastischen Bands der Slow-Core-Ära der 90er, wie Codeine, die ihre eigene Version von Explosions In The Sky-Songs kreieren, oder wie Per Steinar Lie behauptet, „es fühlt sich an wie der Vibe der frühen Tage von The Low Frequency In Stereo ". Die Musik wurzelt in einem Gedanken an eine lange Autobahnfahrt bei Nacht, wo die Zeit stehen bleibt und die Gedanken fließen.
Das neue Musikvideo zur ersten Single „Mellow Skies“ wurde von Gitarrist Per Andreas Haftorsen gedreht, der mit seinen Hunden in seiner Umgebung spazieren geht.
Les Dunes war mit Kjetil Ulland im ABC-Studio in Etne und nahm 8 Tracks auf, die ihr Debütalbum sein werden. Das Album wird gemeinsam vom norwegischen Label Apollon Records und dem deutschen Label Kapitan Platte veröffentlicht, das bereits Action & Tension & Space und die ersten beiden The Low Frequency In Stereo LPs auf Vinyl veröffentlicht hat.
Simon Raymonde von Cacteau Twins und Bella Union kommentiert: „Nice mellow vibes Explosions In The Sky Feelings“.
Die in San Francisco ansässigen Doom-Metal-Giganten ACID KING werden diesen Frühling ihr lang erwartetes Comeback geben! Angetrieben von einem wogenden, lysergischen Puls, läutet ihr neues Album „Beyond Vision“ eine neue Ära für die Band ein, die die Vorlage für donnernde, swingende, Trip-induzierende Heavys geschaffen hat. Man könnte es sogar ein Konzeptalbum nennen, das über die interplanetare Migration und den verschlungenen Pfad der Existenz nachdenkt. Verstehen Sie es nicht falsch: „Beyond Vision“ ist unbestreitbar Acid King, in Widescreen-Technicolor und interstellarem Cinemascope mit glühenden Gitarren und wirbelnden Power-Klageliedern in Hülle und Fülle – das Ergebnis einer besonderen Zusammenarbeit zwischen Acid King-Gründerin, Gitarristin und Sängerin Lori S., Black Cobra-Gitarrist/Sänger Jason Landrian (Black Cobra), Bassist und Keyboarder Bryce Shelton (Hawkwind) und Drummer Jason Willer (Charger, Jello Biafra).
Zum Konzept des neuen Albums erklärt Lori S.: „Die Band war nie wirklich so psychedelisch, aber das hier ist definitiv trippiger, weil wir Keyboards und Synthesizer haben. So etwas hatten wir noch nie zuvor auf Acid-King-Platten. Die Songs haben wirklich keinen Anfang und kein Ende – sie fließen einfach alle ineinander. Es soll als Ganzes gehört werden. Der springende Punkt war, dem Zuhörer das Gefühl zu geben, auf einer Reise zu sein. Wenn du Kopfhörer aufsetzt, bringt es dich an jeden Ort, an den du gehen möchtest.“
CATEGORY VI aus Neufundland, Kanada, werden gegen Ende März ihr neues Album „Firecry“ über Moribund Records veröffentlichen, und im Vorfeld dessen, wie es sich seinen Weg zu den Fans bahnt, zusammen mit der Feier des Internationalen Frauentags, der Anfang diesen Monats stattfand, teilte das Quartett ihre nächste Single "Walküren".
„In diesem Song geht es um Sexismus und Frauenfeindlichkeit und meine eigenen persönlichen Erfahrungen damit. Mein ganzes Leben lang gesagt zu bekommen, ich solle die Klappe halten, ging nach hinten los. LOL :) Es geht um Schwesternschaft und darum, sich wie ein Haufen mächtiger Walküren gegen die Arschlöcher der Welt zusammenzuschließen!“ sagt Sängerin Amanda Marie Jackman.
CATEGORY VI kehren 2023 mit einem vollen lodernden Feuersturm mit ihrem dritten Album und der bisher erfolgreichsten Veröffentlichung „Firecry“ zurück. Von der anfänglich flackernden Flamme von „Firecry“ bis zur letzten Asche des absolut brennbaren Covers von HEARTs Klassiker „Barracuda“ liefert CATEGORY VI wahren und klassischen 80er-Heavy Metal in absoluter Perfektion. „Firecry“ rühmt sich einer knackigen, klaren und sengenden modernen Produktion, die nicht vom wahren 80er-Metal-Sound der Band ablenkt.
Textlich um Themen wie persönlichen Stolz und Triumph (Valkyrie, Heavy is the Crown), Verfolgung durch Hexerei (Firecry), die Stärke der Frauen (She Runs With Wolves) und ihre exzellenten Live-Auftritte (Coven) herum gestaltet, werden diese Konzepte von The mutig und kraftvoll vorgetragen hochfliegende stimmliche Exzellenz von Amanda Jackman. Gestärkt und angetrieben von den kraftvollen Edelstahlriffs und eingängigen Melodien des Gitarristen Geoff Waye, dem stampfenden Amboss-Bass von Keith Jackman und dem donnernden, standhaften Schlagzeug von Brian Downton, bringt CATEGORY VI klassische und klassische 1980er-Power – traditionellen Heavy Metal ins 21. Jahrhundert mit strahlendem Glanz.
Zum Abschluss eines der besten Heavy-Metal-Alben des Jahrzehnts liefert CATEGORY VI ein makelloses True-Metal-Cover des Chartstürmers Heart-Klassikers „Barracuda“. Mit „Firecry“ entfesselt CATEGORY VI einen globalen klimaverändernden Metal-Zyklon, der die gefrorene Tundra Nordamerikas mit seinem lodernden Power-Metal zum Schmelzen bringen könnte.
Bekannt als sich ständig weiterentwickelnder Künstler, der es liebt, Grenzen zu überschreiten, war Ihsahns musikalische Reise unerbittlich faszinierend und oft aufschlussreich. Mit seiner Vorliebe für Gemeinschaftsprojekte und seiner Faszination für die Produktion ist diese neue Drei-Track-EP mit zwei neuen Originalsongs und einer Coverversion das direkte Ergebnis der Zusammenarbeit von Ihsahn mit dem Online-Bildungsprogramm für Musikproduktion der URM Academy und dem Produzenten/Ingenieur Jens Bogren (Opeth, Dimmu Borgir, Arch Enemy, Powerwolf) von den Fascination Street Studios.
Ihsahns langjähriger Schlagzeuger Tobias Ørnes Andersen und Keyboarder Øystein Aadland schlossen sich Ihsahn bei diesem Projekt an, die zehn intensive Tage in den Fascination Street Studios verbrachten, um die Songs aufzunehmen. Øystein Aadland spielt nicht nur durchgehend Keyboard, sondern fügt auch warme und sanfte Lead-Vocals für den Track „The Observer“ hinzu, während Jonas Renske von Katatonia Gaststimmen für den Coversong „Dom Andra“ aufnahm.
Während der gesamten Erfahrung hielt das Team der URM Academy alles auf Video fest, wobei Jens Bogren die verwendeten Produktionstechniken kommentierte, mit Details zu Mikrofonplatzierungen, Vorverstärkern, Drumhead-Tunings, teilte seine Methodik mit und untersuchte, was zu einer Aufnahme wie dieser gehört.
Ihsahn fügt hinzu: „Die Idee war, High-End-Aufnahmen von echten Instrumenten in großen Räumen aufzunehmen, und wir hatten ein erstaunliches Setup für Schlagzeug, Gitarren, Bass und sogar eine Vintage-Hammond-Orgel mit Leslie, Wurlitzer, Rhodes usw., aufgenommen über Fender-Combos und analoge Pedale etc.
„Das war eine erstaunliche Erfahrung und sehr lehrreich, da ich alles liebe, was mit Musikproduktion zu tun hat. Sowohl das Fascination Street- als auch das URM-Team waren unglaublich, und ich glaube, dass alle Beteiligten trotz 14-16-Stunden-Arbeitstagen eine tolle Zeit hatten bin sehr zufrieden damit wie alles
zusammengekommen, und für diejenigen, die an den technischen Aspekten der Herstellung interessiert sind, wird es in Kürze einen ausführlichen Kurs an der URM Academy geben.“
MORDIAN ist eine Sängerin/Komponistin aus Chicago, IL. MORDIAN, die auch für ihre Arbeit mit DIAMORTE und SHIELD OF WINGS bekannt ist. Sie zeigt in dieser traurigen Hommage an die Black-Metal-Ikone Quorthon von BATHORY einmal mehr unangreifbare Ausdruckskraft. Ihre traurige Stimme haucht der bewegenden Liebesgeschichte, gefüllt mit reichen Bildern und melancholischen Herzen, neues Leben ein.
"Obwohl es viele Songs gibt, die dazu beigetragen haben, die Person zu formen, die ich heute musikalisch und spirituell bin, wäre einer der ersten, der mir in den Sinn kommt, Ring of Gold." MORDIAN bietet an: „Dies ist mein Tribut an die Legende Bathory. Hail Quorthon!“
Ohne großen Vorlauf veröffentlichen GOAT THE HEAD ihr neuestes Album "Et Lokalsamfunn i sorg" auf Crispin Glover Records. Zwei völlig gegensätzliche Ideen standen sich gegenüber. Der Wunsch, ein ausgeklügeltes Konzeptalbum zu machen und gleichzeitig zurückzukehren zur ursprünglichen spontanen, unbekümmerten und willkürlichen Natur der Band Natur. Letztendlich sollten die Bandmitglieder unabhängig voneinander ihre jeweiligen Ideen erstellen und im Studio zusammenfügen. Ein extremes und lebendiges Album ist so entstanden.
Im Laufe von zwanzig Jahren hat der norwegische Metal-Vierer eine Reihe seltsamer Konzepte, ausgefallener Auftritte und musikalischer Ausrichtungen durchlaufen. Death Metal-Höhlenmenschen. Thrashtronauten. Extreme Heavy-Metal-Physiker. Auf ihrem vierten Full-Length-Album ist ihr thematischer Ansatz jedoch wesentlich näher an der Heimat und am Herzen als je zuvor. Trotzdem könnte dies das bisher exzentrischste Unterfangen von GOAT THE HEAD sein.
GOAT THE HEAD wurde 2002 von Sänger/Organist Per Spjøtvold (The Apparatus, Atrox, Hoist!) und Gitarrist Ketil L. Sæther (The Apparatus, Lumsk, Corroder) gegründet. Das heutige Lineup wird durch den Schlagzeuger Kenneth Kapstad (Spidergawd, Motorpsycho, Thorns) und den Bassisten Trond Frønes (Red Kite, Cadillac, Sunswitch) komplettiert.
Die Texte sind auf Norwegisch, genauer gesagt in Trøndersk. Ein Dialekt, der in Trøndelag gesprochen wird, dem zentralen Teil Norwegens, wo die Band ursprünglich herkommt. Zweitens ist die Musik ebenso experimentell wie extrem, reich an fast allen Farben der Metal-Palette. Zuweilen durchaus filmisch. Meistens jedoch ist er schwer, langsam und bedrohlich und doomig.
Spannend, anders, eigen und kompromisslos.
Zwei Jahre nach der Veröffentlichung ihres Doom-Metal-Opus bereiten sich Roms Shores Of Null darauf vor, die Zuhörer mit einer weiteren Welle tristen, melancholischen Doom-Metals wegzuspülen. „The Loss Of Beauty“ verbindet erneut donnernde Musik und ätherische Vocals zu einem ebenso trauernden wie kathartischen Sound. Die zweite Single, die in Videoform präsentiert wird, ist „The Last Flower“, die Sänger Davide Straccione kommentiert:
„Dieser Song hat meiner Meinung nach einen der besten Refrains des Albums und ich fühle mich auch den Texten sehr verbunden. Ich stellte mir eine Zukunft vor, in der alles stirbt und es nur noch eine Blume auf dieser Welt gibt, die um jeden Preis gerettet werden muss, sogar mit unserem eigenen Leben, wenn es bedeutet, unsere Zukunft zu retten. Es ist eine Metapher, die das Hauptthema in „The Loss Of Beauty“ umschließt, nämlich die Bewahrung der Schönheit, egal was passiert. Es ist eine Erinnerung daran, dass alles vergänglich ist.“
Straccione erklärt weiter, dass das, was sie von allen Doom-Metal-Bands abhebt, die Art und Weise ist, wie sie sich der Melodie nähern, insbesondere dem Gesang. Sie knurren nicht nur über die Musik, sondern versuchen, mit ihr zu interagieren, sowohl mit klaren und harmonisierten Vocals als auch mit harten. Sie versuchen, die Gesangsharmonien auch live nachzubilden, wobei der Rest der Band eingreift, um die Refrains zu akzentuieren. Sie legen auch Wert auf visuelle Effekte, was in den Musikvideos zu sehen ist, die die kommenden Singles begleiten und manchmal beeinflussen.
Shores Of Null kann gleichzeitig überwältigend heavy und beruhigend sein und zwischen Gothic-Doom-Vibes und geschwärzter Aggression abwägen. Ihre Musik zeichnet sich durch ihre melancholische und doch majestätische Atmosphäre aus, die aus choralartigen Gitarrentexturen besteht, die ihre gesamte Bandbreite ausschöpfen, getragen von einer kraftvollen rhythmischen Sektion und unterbrochen von einem raffinierten Gebräu aus klaren und gegrowlten Vocals, mit einem großen Einsatz von Vokalharmonien, die haben wurde im Laufe der Jahre zu einem der Markenzeichen der Band.
„Der Song handelt von einer echten Begebenheit. Nach einer Show im kalten November lief mir ein betrunkener Obdachloser vor den Wagen und fiel auf den Boden. Ich half ihm auf und bot ihm meine Hilfe an. Er wollte sich nicht helfen lassen, stieß mich weg und ging seinen weg. Da es so extrem kalt war rief ich die Polizei an, damit sie nach dem Mann schauen können. Diese entgegneten, dass Sie nicht für jeden betrunkenen Obdachlosen raus kommen. Ein Krankenwagen kann auch nur geschickt werden, wenn er verletzt ist. Ich beschloss dann selbst aktiv zu werden und fuhr die ganze Nacht durch den Ort um ihm zu suchen, falls er Hilfe benötigt. Bis auf ein paar zerbrochene Bierflaschen fand ich nur leere Straßen vor.“, so Charlie, Sänger von Angry Youth Elite.
Vor der Veröffentlichung an diesem Freitag über The Circle Music haben die Neoklassik/Darkwave-Veteranen Autumn Tears ihr brandneues Doppelalbum „Guardian of the Pale“ in seiner Gesamtheit enthüllt.
Ted Tringo, Mastermind von Autumn Tears, sagte: „Unser 2023er Doppelalbum ‚Guardian of the Pale‘ enthält ein vollständig orchestriertes, reichhaltiges klassisches Ensemble und einen vollen Chor, der die bisher epischsten, organischsten und vielfältigsten Songs mit unserem über 70-köpfigen Ensemble von Musikern und Musikern enthält Sänger.
„Zu den besonderen Gästen gehören Francesca Nicoli von der italienischen neoklassischen Band Ataraxia, Agnete Mangnes Kirkevaag von der norwegischen Progressive-Metal-Band Madder Mortem und die Opernsängerin Ann-Mari Edvardsen Alexis (ex-The 3rd and the Mortal).“
„Guardian of the Pale“, das neunte Studioalbum von Autumn Tears, wird am 24. März 2023 über The Circle Music als digitaler Download, 2-CD-Jewel-Case-Paket und limitiertes 2-CD-Digipak erhältlich sein, beide mit einem CD-exklusiven Bonustrack sowie einem CD-exklusiven Bonustrack ein limitiertes Doppel-Vinyl-Gatefold-Paket mit einem 16-seitigen illustrierten Textbuch und einem exklusiven Vinyl-Bonustrack.
Viel hilft nicht immer viel. Das Album strotzt vor Pathos und überzogenem Pomp.
Die dänisch-türkischen Death Metal-Titanen HYPERDONTIA sollten keiner weiteren Vorstellung bedürfen. Ihre zwei Alben in voller Länge, mehrere EPs und ein paar Splits zeugen davon, dass sie eine Band von höchster Qualität sind. Ebenso wie ihre bekannte Tightness in einer Live-Umgebung. Jetzt sind sie so durchgeknallt wie eh und je, wie ihr neuer MLP-Titel andeutet.
Mit einer Kakophonie aus fauliger, aber pünktlicher instrumentaler Wildheit und knorrigen Vocals werden diejenigen, die neu in dieser bestialischen Underground-Entität sind, nicht nur mit Aggression, sondern auch mit absolut meisterhafter Musikalität begrüßt, bei der jedes Element eine sorgfältig gefertigte Waffe im großen Arsenal ist. Die Bassgitarre ist wie aus einer anderen Welt, während die Drums mit unerbittlicher Aktion hämmern. Währenddessen ist das Riffing von HYPERDONTIA absolut wild und die Vocals sind erhaben düster. Fesselnd, rücksichtslos viszeral und mit reichlich Dynamik, um die Dinge unvorhersehbar zu halten, gibt es keine Möglichkeit, dass irgendjemand von dieser meisterhaft bedrohlichen Musik nicht gepackt werden könnte. Dies ist kein Wegwerf-Vierer von Songs, die nicht gut genug für ein Album waren, dies ist ein dichter und fester Schlag, der in weniger als 20 Minuten von wirklich makelloser Death Metal-Extremität zerstörerisch wirkt.
Keine Angst vor Technik, sowohl im Riffing als auch in der Leadarbeit, zusammen mit den Rhythmussektionen; Es gibt kein Entkommen, wie ungeheuer geschickt diese Jungs sind. Das heißt, die Brutalität und Barbarei sind immer noch da, dies ist kein fadenscheinig poliertes Juwel von Gitarristen, das sich zur Schau stellt. Es gibt eine Seele und sie verschlingt alles auf dem Weg und pflanzt die bösartigsten Geräusche direkt in Ihr Gehirn. Eine der größten Stärken der Band ist es, viele Veränderungen und neue Ideen einzubauen, anstatt auf der Stelle zu treten, und diese MLP als berauschend zu bezeichnen, wäre eine Untertreibung. Der Abstieg in den Wahnsinn ist eine Freude zu erleben, wenn auch eine quälende. Also, wenn du Death Metal magst und das immer noch liest; Warten Sie nicht länger, tauchen Sie ein in das neueste Angebot eines der unbestreitbar besten Künstler des Undergrounds.